В год своего 55-летия Музей В.А. Тропинина и московских художников его времени представил необычную для себя выставку «Пространство. Воздух. Свет», посвященную русской пейзажной традиции. О том, чем именно выставка необычна, как она устроена и какие полотна посетители увидят впервые, mos.ru рассказал куратор выставки художник Владимир Богачев, заслуженный работник культуры России.
«Основной профиль Музея В.А. Тропинина и московских художников его времени предполагает портретную живопись конца XVIII и XIX века. Но у любого музея, помимо работ основного жанра, есть в фондах и другие произведения. И некоторые вещи хранятся на протяжении многих лет, их не показывают посетителям. В нашем музее более 3,5 тысячи единиц хранения, а залы вмещают только 10 процентов этого объема. Так что в юбилейный год мы сделали непривычную для нас пейзажную выставку, и многие работы посетители увидят впервые», — рассказывает Владимир Богачев.
По его словам, выставку создавали для широкого круга посетителей. В первом зале демонстрируются яркие образцы русской пейзажной школы разных периодов — с XIX века до 1930-х годов, второй зал знакомит с подтемами внутри жанра, позволяет получить представление о разнообразии стилей и техник, а впечатление дополняют произведения декоративно-прикладного искусства. Так что в экспозиции легко будет сориентироваться даже неискушенному посетителю.
Русская школа пейзажа
Главная идея выставки — показать становление и развитие русской национальной школы пейзажа. В конце XVIII — начале XIX века пейзаж не был столь популярен, а только выполнял определенную функцию — был, например, дополнением к портрету. Мастера брали за основу классические итальянские пейзажи. И только благодаря Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества (ранее — Училище живописи и ваяния) и художникам, там преподававшим и учившимся, сформировалась русская национальная школа пейзажа. Им удалось уйти от академизма и излишней техничности, превратить пейзаж в настоящий портрет места — сделать его способом любования родной природой.
Выставка встречает необычной яркой работой — полотном «Москва. Кремль. Праздничная иллюминация» Оскара Гофмана и Юлия Клевера. Художники запечатлели ярко освещенный Кремль и набережные во время пасхального богослужения 1883 года. Праздничную иллюминацию устроили по случаю коронации Александра III — электричеством осветили знаковые для Москвы строения, включая храм Христа Спасителя и Большой Каменный мост. Для этого из Парижа специально привезли десятки тысяч ламп. Чтобы увидеть это необычное зрелище, люди съезжались в Москву за недели до праздника.
Также в первом зале можно увидеть работы Витольда Бялыницкого-Бирули, Мануила Аладжалова, Петра Петровичева — представителей круга художников, окончивших Московское училище живописи, ваяния и зодчества и продолживших традицию русской школы пейзажа. Представлены и авангардные литографии Натальи Гончаровой. Создавая их, она обратилась к лучизму. Основателем и теоретиком этого направления в искусстве был Михаил Ларионов. Главным принципом лучизма он считал изображение не самого предмета, а отраженных от него лучей (это, полагал художник, ближе к тому, как видит человеческий глаз). Гончарова в своих работах изобразила в этом стиле деревья. А у входа в первый зал можно рассмотреть эскиз Бориса Кустодиева «Вечер на Волге», созданный в 1920-е годы в Кинешме, — это одновременно и пейзажная, и жанровая сцена.
Морской, городской, архитектурный и другие
Второй зал выставки предполагает знакомство с разнообразием жанра. Зал разделили тематически: представили городской, сельский, морской, архитектурный, идиллический и другие виды пейзажей.
Владимир Богачев предлагает обратить внимание на картину Сильвестра Щедрина «Семья итальянского пастуха» — довольно известную работу, экспонировавшуюся в ходе большой ретроспективы художника в Русском музее и попавшую на обложку ее каталога. Именно Щедрин заложил основы отечественной школы пейзажа. Он еще обращается к итальянской классике, но уже отходит от принципов кулисности, трехплановости и традиционного набора цветов — пишет солнечный свет. Потом от петербургского академизма и помпезности полностью ушли передвижники, они продолжили и усилили национальную традицию.
Русская школа пейзажа зародилась в Москве — именно здесь художники начали осваивать образы обыденной среднерусской природы. Важную роль в становлении школы сыграл Алексей Саврасов, ставший, можно сказать, знаковой фигурой для лирического пейзажного направления. «Без воздуха пейзаж — не пейзаж! …Если воздух не напишешь — значит, пейзаж — дрянь», — говорил Алексей Кондратьевич своим ученикам.
На выставке представлена работа Саврасова в технике граттаж — название происходит от французского слова gratter, которое означает «скрести», «царапать». Пером или другим острым инструментом художник процарапывает рисунок на залитых тушью картоне или бумаге. Чем примечательна эта работа? Она написана в трудный период жизни Алексея Саврасова. Он был женат на Софье Герц, в этом браке родилось пятеро детей, но две дочери рано умерли — одна из них новорожденной в Ярославле в 1871 году. После этого Саврасов на долгое время уехал в Ярославскую губернию и жил там, можно сказать, затворником, в его творчестве появилось много мрачных мотивов. Там он создал серию картин с видом на церковь и сельское кладбище, где была похоронена любимая дочь.
Рядом — очень похожая работа, выполненная в технике карандашного рисунка, на ней — вид на церковь и кладбище. Но она принадлежит уже ученику Саврасова Юрию Козлову, рассказывает Владимир Богачев. Это был «добрый гений» художника — Козлов продолжал до самого конца приезжать к учителю и помогать ему, даже когда остальные о нем забыли, а после смерти Саврасова всячески популяризировал его творчество, пытался возродить любовь и интерес к нему.
В отдельной витрине с фарфором представлено полотно одного из учеников Алексея Саврасова Льва Каменева. В XIX веке было модно изображать пейзажные сцены на фарфоровых изделиях, и Каменев был одним из любимых художников мануфактуры Гарднера и фабрики Попова — мастера охотно использовали его работы. Еще один предмет декоративно-прикладного искусства, дополняющий экспозицию, — столик-бобик (стол в форме боба, предназначавшийся для рукоделия). Он выполнен в технике маркетри, на столешнице изображены чайные склады на границе с Китаем — это отсылает и к популярности традиции чаепития в Москве того времени.
Признание в любви из кусочков дерева: четыре экспоната выставки в КусковеФарфор Парижа в усадьбе Кусково. Рассматриваем экспонаты и изучаем историю мануфактур
Морской пейзаж представлен, в частности, работами Ивана Айвазовского и Алексея Боголюбова. Живописцев неизбежно сравнивали, и Боголюбов об этом отзывался так: «Я был всегда натуралист, а он (Айвазовский. — Прим. mos.ru.) идеалист». Хотя, разумеется, был впечатлен работами коллеги — от такого блеска красок на холсте, вспоминал Алексей Боголюбов, забывались даже полотна знаменитого Уильяма Тернера.
В фондах Музея В.А. Тропинина и московских художников его времени хранится несколько работ Ивана Айвазовского, но для выставки Владимир Богачев выбрал пейзаж, наиболее характерный для мастера. А представленная работа Боголюбова — изображение ночного Гранд-канала в Венеции — вдохновила впоследствии Архипа Куинджи на создание знаменитой «Лунной ночи на Днепре».
Богатство фондов. Необычные выставки Музея В.А. Тропинина
Как отмечает Владимир Богачев, выбрать произведения для выставки из богатой коллекции было нелегко. Хотелось не только представить некие апробированные работы, но и проследить на камерной выставке эволюцию пейзажа на менее очевидных примерах.
«В этих двух маленьких 40-метровых залах мы хотели не только показать признанные жемчужины, но и обратить внимание на те работы, которые долгие годы не выставлялись. Конечно, можно было бы просто повесить шесть картин Левитана и девять Айвазовского — получилось бы красиво, но задача не была бы решена. Так что здесь немало редких работ. Например, пейзаж Ивана Шишкина — его демонстрируем впервые за 55 лет», — говорит куратор выставки.
По словам Владимира Богачева, ему особенно хотелось показать, например, Мануила Аладжалова, Витольда Бялыницкого-Бирулю и Петра Петровичева, чтобы продемонстрировать, как развивалась национальная школа пейзажа в начале ХХ века, как художники продолжали писать свет и воздух, любоваться национальным колоритом. Впервые можно увидеть работу Алексея Исупова. В раннем творчестве художник, выдающийся портретист, обращался к иконописным мотивам, но после поменял стиль. Можно увидеть и миниатюрный пейзаж Ивана Похитонова — любимого художника Павла Третьякова. Меценат скупал все работы, какие мог найти, и в запасниках Третьяковской галереи хранится около 50 произведений Похитонова.
Выставку «Пространство. Воздух. Свет» дополняет другая экспозиция в Музее В.А. Тропинина — «Учитель и ученик. Традиция в русской школе живописи». Здесь можно еще подробнее познакомиться с развитием национального пейзажа, а также больше узнать о преемственности. Речь на ней идет о таких выдающихся живописцах, преподававших в училище живописи, ваяния и зодчества, как Сергей Зарянко, Василий Поленов и Василий Тропинин, а также об их студентах, в числе которых Исаак Левитан, Александр Соколов, Станислав Жуковский, Аполлинарий Васнецов, Иван Волков и многие другие. В экспозиции представлены, например, работы Ивана Айвазовского и его учеников — очень интересно рассмотреть, как по-разному изображали море близкие по духу художники.
В год 55-летия в Музее В.А. Тропинина и московских художников его времени продемонстрируют все богатство фондов. Сейчас открыта также выставка, посвященная сатире, готовится тематическая экспозиция к Году семьи. Кроме того, к важному юбилею, который празднуют в этом году, пройдет выставка, связанная с музами Александра Сергеевича Пушкина. На нее из Санкт-Петербурга привезут рисунок Василия Тропинина — важного представителя культуры пушкинской эпохи.
Как менялась сатира в XIX веке. Смотрим выставку в Музее В.А. Тропинина
Выставку «Пространство. Воздух. Свет» можно осмотреть до 26 мая.
